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A la hora de mirar
una pintura o un grabado, tienes que tener en cuenta
diferentes aspectos, tanto técnicos como materiales para
poder apreciar plenamente la obra. A continuación te damos
un breve esquema que te facilitará esta tarea.
Aspectos materiales
Técnica
Al observar un cuadro, los aspectos materiales nos ayudan a
saber ante que tipo de obra nos encontramos. El soporte es,
como su propio nombre indica la base sobre la que se
extiende la pintura. Puede ser madera, en cuyo caso se llama
tabla, una pared, (soporte mural); tela (lienzo) o papel.
Además del soporte, vemos el material con el que está
pintado. Acuarela, carboncillo, al fresco, al óleo,
gouache...
Textura
La textura es la sensación que nos da el cuadro y se
consigue mediante la aplicación de la pintura, si es una
pintura acabada, con aspecto pulido, o si tiene abundancia
de materia, que dará un aspecto más rugoso.
Aspectos Formales
Expresión formal
Es la manera en la que el artista se expresa. Debemos
observar diferentes aspectos:
Línea
Se tiene en cuenta la línea de la obra, si hay un predominio
del dibujo con respecto al color observará un mayor
detallismo, si por el contrario es el color el que predomina
la tendencia es la indeterminación de las formas. Por otra
parte podemos decir que la línea es abierta ni no vemos la
línea, es discontinua, o cerrada si se aprecia con claridad.
Las líneas pueden ser rectas que dan sensación de estatismo
o curvas que dan movimiento y sensualidad a la obra.
Volumen
Es la sensación de dos o tres dimensiones que nos aporta una
obra que, según su naturaleza está en un plano bidimensional
(alto y ancho) las figuras y formas aparecerán planas si se
aplican colores planos, o gradaciones de color.Si por el
contrario se aplica en las formas gradaciones de la luz y
sombra, la sensación será de tres dimensiones, casi
escultórica.
Profundidad
Es la representación del espacio, la separación en planos
del fondo y la figura. Si hay una diferenciación en planos
puede deberse a una perspectiva lineal, donde los objetos
supuestamente más alejados del fondo se mostrarán más
pequeños, o por una perspectiva de color, en cuyo caso los
planos se diferenciaran por los colores aplicados.
Luz y Color
La luz se forma con el color, los colores
claros son más luminosos, mientras que los oscuros darán
sensación de penumbra.
La luz se utiliza para crear formas, ya que dará sensación
de espacio, pero también se puede utilizar para resaltar una
actitud o un objeto.
La luz se considera natural o artificial dependiendo del
foco lumínico (una ventana, una vela, el sol o es la luz
ambiente...). Esta luz puede venir de dentro del cuadro o el
foco puede estar fuera de la composición.
El color es el elemento plástico básico de
la pintura. A través del color el pintor expresa sus ideas,
sus sueños, sus decepciones. Es enigmático y se considera
irracional y menos inteligible que la línea.
El color se define por la aplicación del mismo, si son
colores planos, tonales, si son armónicos o vibrantes, si se
hacen choques bruscos de color... pero también hay que
observar las características de la gama cromática, es decir,
si predominan los tonos cálidos (rojos, naranjas...) o tonos
fríos (azules, verdes...). Y las sensaciones que del color
se desprende, si acercan la imagen al espectador o por el
contrario la alejan.
En numerosas ocasiones el color tiene una función simbólica,
y se plasma para motivar una sensación determinada.
Estructura interna
Una de las primeras tareas del pintor consiste en
estructurar la obra decidiendo la disposición de los
elementos en el lienzo y la división interna de éste.
Esta estructuración se consigue gracias a las líneas básicas
de la obra, de acuerdo a las cuales se disponen los
elementos del cuadro.
Composición. Se dice que una composición es
cerrada cuando las figuras se adaptan a una figura
geométrica simple como puede ser un triángulo o un circulo.
Por el contrario se denomina abierta si las formas se
adaptan a líneas en diagonal, en espiral...
Para distinguir si la composición es unitaria, los elementos
del cuadro deberán estar integrados en la composición, pero
también puede suceder que no lo estén, es decir, que
aparezcan elementos yuxtapuestos o individualizados, en cuyo
caso se dirá que tiene una composición no unitaria.
El espacio del cuadro se podrá dividir en
dos o más partes, que pueden ser iguales y darán sensación
de estatismo o diferentes, y entonces darán sensación de
movimiento.
Las masas o manchas de color del cuadro
pueden aparecer equilibradas o repartidas por el cuadro, en
cuyo caso estarán descompensadas. Y en general los elementos
del cuadro se dispondrán para potenciar la horizontalidad o
verticalidad del mismo.
Ritmo es la capacidad de repetición de
determinados elementos dentro de una obra, pueden ser las
figuras, los espacios vacíos, los tamaños, colores, luces o
sombras.
Estos elementos se pueden suceder o pueden enfrentarse unos
a otros. El sentido del ritmo es crear movimiento.
Tema y argumento
Al observar una obra de arte, inmediatamente apreciamos si
es figurativa o no. La pintura figurativa
es aquella que representa formas y objetos reconocibles
(animales, personas, paisajes...)
Esta pintura figurativa puede ser naturalista, si las
pinturas aparecen tal y como son en la naturaleza, en cuyo
caso se pueden representar de manera realista (presentando
las características y defectos de lo representado), o
idealizada (si no se representa un individuo específico,
sino un genérico específico). Pero la pintura figurativa
puede ser también esquemática, si las formas están
simplificadas y no contienen todas las partes de los objetos
sino sólo aquellas que los identifican.
Por otra parte, la pintura abstracta es
aquella que no representa temas convencionales sino
volúmenes, formas geométricas, signos... Se le denomina
también pintura no figurativa. |
